quinta-feira, 1 de agosto de 2013

CAVERNA DO DRAGÃO O FINAL QUE NINGUÉM VIU






Aqui está o verdadeiro final de "A Caverna do Dragão", eu visitei vários sites, e achei dois tipos de finais diferentes do original, o final que vou apresentar logo abaixo, busquei no site de um dos criadores do desenho, seu nome é Michael Reaves, lá está o verdadeiro final, como o site é em inglês. Eu traduz as partes mais importantes. Veja seu resumo em português.

Leia agora o final de "A Caverna do Dragão"


Esse resumo é uma tradução livre do Capítulo Final, "Requiem", da Caverna do Dragão. O texto original em inglês é oficial, mas a tradução não. Enfatizamos o fato de ser apenas um resumo. O episódio é descrito com grande riqueza de detalhes na página de Michael Reavers. Aqui é enfatizada a seqüência final do episódio, que consideramos o assunto de maior interesse.

No inicio do capítulo final, o Vingador e o Mestre dos Magos encontram-se. O Vingador propõe um teste para a coragem dos garotos. Caso eles sejam bem-sucedidos, eles encontrarão a chave. Caso fracassem, perderão tudo, tanto suas armas quanto suas vidas. "Assim seja", diz o Mestre dos Magos.

Em outra cena, aparece diante dos garotos uma hidra, um monstro de várias cabeças. Eles são observados pelo Mestre dos Magos e pelo Vingador. Tentam inutilmente derrotar o monstro e, em situação de extremo perigo, pedem ajuda ao Mestre dos Magos, que diz, severamente: "Vocês entraram nessa situação sozinhos, meus jovens amigos... então saiam dela sozinhos." E desaparece.

Após um esforço sobre-humano, eles finalmente derrotam a hidra, e começam uma longa jornada. Desolados, acreditam que foram abandonados pelo Mestre dos Magos. O Vingador aparece e diz que o Mestre dos Magos finalmente revelou sua verdadeira face. O Vingador propõe enviar os garotos de volta para casa em troca de um favor: devem ir em direção à fronteira do reino, onde encontrarão um mausoléu. Lá, haverá uma chave que eles devem jogar no abismo.

Eric, Presto e Sheila pensam ser essa a única maneira de voltar para casa. Hank, Diana e Bobby dizem que jamais confiaram no Vingador. Os dois grupos se separam e seguem por caminhos distintos, mas ambos em direção à fronteira do reino. O grupo liderado por Eric encontra um navio, que Presto faz voar. O grupo de Hank segue voando em um dragão de bronze.

Hank: "Por que você acha que estamos aqui, Diana ?".

Diana: "No Reino ? Sempre acreditei que fosse para derrotar o Vingador".

Hank: "Eu também, mas talvez o Vingador tenha razão. Talvez as coisas não sejam tão simples".

Os dois grupos acabam encontrando-se no ar, e Hank pede que o outro grupo pare. Eric diz que é a única maneira de voltarem para casa. Hank tenta forçá-los a parar com uma flecha, e acaba derrubando-os. Hank, Diana e Bobby acreditam que os demais estão mortos.

Muda a cena pro mausoléu, em que estão o Vingador e o Mestre dos Magos.

Vingador: "Você perderá, velho. O desejo que eles tem de voltar para casa é mais forte do que tudo. Sem seu apoio eles estarão perdidos".

Mestre dos Magos: "Sua coragem não falhará. Eles farão o que deve ser feito."

Vingador: "Veremos. Há algo no mausoléu que testará sua coragem."

Descobre-se que Eric, Presto e Sheila sobreviveram à queda. Eles caminham em direção ao mausoléu. Eric, Bobby e Diana fazem o mesmo, mas um grupo não pode ver o outro devido ao terreno acidentado. Eles entram, e acabam se encontrando, com grande alegria.

Há uma nova discussão para saber se eles farão ou não o que o Vingador solicitou. Então, surge um monstro enorme, um amebóide, que os ataca. Eles correm e lutam contra o amebóide, até que, após muito esforço de todos, Bobby consegue enterrá-lo sob uma parede. Como isso acaba impedindo o caminho, eles são obrigados a seguir em frente, para desgosto de Hank.

Mestre dos Magos: "Eles estão vindo, Vingador. Cheios de dúvidas e suspeitas uns em relação aos outros, mas ainda estão vindo."

Vingador: "Eles ainda podem falhar... E falharão. Não celebre sua vitória ainda, velho."

Mestre dos Magos: "Não sou eu quem será o vencedor, Vingador. Será você."

Os garotos entram no santuário, que agora está vazio, exceto por eles e por um sarcófago. Diana aponta para uma parede quebrada, além da qual há um abismo. Os garotos aproximam-se calmamente, e observam um precipício sem fim, envolto em névoa noturna - a fronteira do reino. Estrelas cintilam na profundezas do abismo, e pilares do tamanho de um continente sustentam o reino.

Sheila aproxima-se da abóbada, onde há uma fechadura praticamente escondida. Presto aproxima-se do sarcófago, onde há uma figura esculpida. É um homem em armadura de guerreiro, braços cruzados sobre o tórax. Seu rosto, apesar de nobre a sereno, sem asas, chifre e outros traços de maldade, é inquestionavelmente o Vingador.

Eles abrem o sarcófago, onde há apenas uma chave de metal ordinário. Eric diz: "Temos a chave. Basta jogá-la no abismo para irmos para casa." Hank responde: "Você ainda não entendeu que jamais iremos para casa confiando no Vingador ?" Eles discutem e lutam pela chave. Hank diz: "Eric, lembra-se do que você disse sobre todo esse reino ser uma prisão ? Eu acho que você está certo. Todos somos prisioneiros aqui - inclusive o Vingador. E esta é a chave."

A discussão é interrompida pela chegada do amebóide. Eles o enfrentam. Sheila, Uni, Presto e Diana são presos pelos monstro. Bobby bate com o tacape no chão, provocando uma onda de choque que obriga o amebóide a largar seus amigos, mas que derruba Hank no abismo. Os outros garotos agrupam-se, lutando contra o amebóide. O Vingador materializa-se diante deles e ordena que Eric jogue a chave no abismo. Eric parece duvidar e, de repente, toma uma decisão: corre para a abóboda e abre a fechadura.

Um oceano de luz sai por detrás da porta. O amebóide desaparece. A luz mágica envolve o Vingador, que inutilmente tenta livrar-se e grita de medo. Raios de magia irrompem por todo o reino, permitindo que diversos povos, com imensa alegria, voltem para suas terras natais. A cidadela do Vingador é destruída.

Os garotos aproximam-se do abismo, temendo o pior, mas verificam que Hank está vivo e o tiram do precipício.

Começa então a seqüência final.

Hank: "Ei! O que está acontecendo com o Vingador ?"

Todos viram-se e vislubram uma luz intensa. O Vingador, envolvido pela luz, é transformado na figura nobre e majestosa de um cavaleiro, semelhante à que havia esculpida no sarcófago. Ele olha para si mesmo e duvida. Quando ele fala, sua voz é a do Vingador, mas sem o seu tom sinistro.



Os garotos assistem a tudo temerosas. Hank ergue seu arco em um gesto de triunfo: "Eu estava certo. Nossa missão no reino não era derrotar o Vingador - era redimi-lo."

O novo Vingador aproxima-se dos garotos. Então, em frente de todos, uma explosão de luzes prismáticas aparece e forma o Mestre dos Magos. Ele olha para o Vingador, e sorri. O Vingador ajoelha-se diante dele.

Vingador: "Pai, eu voltei."

Uni aconchega-se entre as mãos do Vingador. O Mestre dos Magos, com lágrimas nos olhos, diz aos garotos: "Obrigado, jovens aprendizes. Vocês fizeram a única coisa que estava acima do meu poder... vocês trouxeram meu filho de volta a mim."

Os garotos olham-se confusas.

Eric: "O Vingador é seu filho ?"

Presto: "Não há muita semelhança nessa família."

O Vingador sorri: "Muitos anos atrás, eu escolhi seguir outro mestre - o mal. Eu aprisionei neste mausoléu tudo o que o Mestre dos Magos havia-me dado. E agora vocês libertaram-me."

O Mestre dos Magos ergue suas mãos, e um último raio surge da abóbada, incidindo perto dos garotos e formando um portal, onde elas podem ver o parque de diversões.

Mestre dos Magos: "Vocês restituíram ao Reino sua liberdade. Eu não posso fazer menos por vocês. Vocês estão livres para retornar para o seu mundo agora, caso assim o desejem."

Os garotos olham-se com imensa alegria, e o Mestre dos Magos continua:

"Ou vocês podem ficar aqui, no Reino. Há ainda muito mal a ser combatido, e muitas aventuras a serem trilhadas."

Os garotos e Uni param em frente ao portal, com o Vingador de um lado e o Mestre dos Magos do outro.

Mestre dos Magos: "A escolha, meus filhos, é de vocês".

Os garotos olham-se, sorrindo, com lágrimas de alegria em seus olhos, prontas para fazerem a maior de todas as suas escolhas. A câmera se afasta, através da parede destruída do mausoléu, mostrando a fronteira do Reino. A câmera percorre montanhas, nuvens, até que por fim tem-se uma incrível vista: o próprio Reino, com sua gama de terras e de formas de vida, com seus perigos e com suas alegrias; um novo reino agora, mas ainda, e sempre: o Reino da Caverna do Dragão.




FIM
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A verdade sobre o Pokemon

Amigos, adianto que este não é um post nada feliz. Achei lá no amigo Left 4 Meme, adaptei o texto e inseri algumas imagens, aconselho de verdade que todo mundo pensem duas vezes antes de ler. É sua conta e risco…
“O acidente com a bicicleta (no primeiro episódio do anime) colocou Ash em coma. Dias mais tarde ele foi encontrado e foi levado as pressas ao hospital e tratado com fortes remédios. Estes por sua vez fizeram efeito e estabilizaram seu coma, tornando os sonhos, antes assustadores, agora agradáveis, permitindo a ele viver suas fantasias de mestre Pokémon.
Após os primeiros episódios, a série é o resultado do subconsciente de Ash realizando seus desejos ao tentar escapar da realidade. Se Ash percebesse que estava em coma, ele acordaria, mas sofreria com os danos cerebrais provenientes do acidente, portanto sua mente teria que continuar neste estado por muito tempo.
Uma grande evidências vem do fato de que apesar das suas jornadas levarem Ash a grandes distâncias, ele nunca anda de bicicleta por ter desenvolvido uma fobia.
O coma e a fantasia também explicam porque ele não muda muito fisicamente. Também explica o socialismo mundial, pois ele imaginou um sistema de governo seguro que iria operar suavemente e manter o mundo ‘girando’, permitindo que as suas aventuras ocorram do jeito que ocorrem. Também explica como uma criança pode sair sozinha em um mudo cheio de perigosos e selvagens animais, e porque toda cidade tem a mesma policial e todo centro Pokémon tem a mesma enfermeira.
Joy e Jenny ele conhecia de sua cidade, e elas agem como uma rede de segurança ou âncora, permitindo a ele se sentir seguro não importa onde ele vá. Joy e Jenny representam estabilidade. Os professores representam os ideais de Ash, e é por isso que Gary vira um professor. A fantasia também explica porque toda vez que ele entra uma nova região, praticamente ninguém ouviu falar dele, apesar de suas conquistas. Como poderia Paul, o rival da região de Sinnoh, não conhecer alguémque ficou pelo menos entre os 16 primeiros nas 3 ligas e aniquilou a Liga Laranja e a Batalha da Fronteira?
Continuando para os personagens próximos a ele, os parceiros de viagem de Ash são os aspectos de si que ele aprecia, mas não gosta de associar a si. Brock é a sexualidade reprimida de Ash. Ash entrou em coma ainda virgem e precisava de uma válvula de escape para suas crescentes frustrações sexuais; como ele nunca experimentou o sexo, Brock nunca deve conseguir também. Mas Brock não é só a projeção da sexualidade de Ash, ele também é uma projeção dos instintos paternais de Ash. Brock deixa seus irmãos para sair em uma jornada com Ash porque Ash não consegue lidar com tanta responsabilidade na sua idade. Mais evidencia de que Brock é a sexualidade de Ash é que ele retorna a série sempre que Ash descobre um novo aspecto feminino de si mesmo.
Misty é o primeiro desses aspectos que encontramos isso explica o porque de Misty ser tão presente na série mas é, no fim das contas, inalcançável (porque ele praticamente não conhecia ela antes do coma).
Como Misty é o seu primeiro interesse amoroso, mesmo que subconscientemente, ele precisava que ela crescesse mais. Ele achava que pessoas só poderiam ter relacionamentos após ficarem adultos. Na pratica, porém, ele descobre que não consegue lidar com isso (por não ter experiência no mundo real) e quer a Misty agressiva e arrogante.
Gary Carvalho é o que Ash deseja ser. Gary queria ser o melhor, conseguiu isso, e depois retornou a uma vida normal. Ash precisa que alguém seja bem sucedido em seu mundo ou então ele não poderá validá-lo e ele começará a questionar porque ele está onde está. É uma armadilha do subconsciente para evitar que ele fique ciente de sua situação.
Sua mente deve ter concluído que o descobrimento do coma por Ash imediatamente o tiraria dele, piorando o dano cerebral, então ele pegou algo que Ash já gostava e com ele construiu um caminho seguro que o levaria para fora do coma. Porém, Ash é muito complacente para manter-se de pé e lutar para sair da sua situação, e, portanto, não pode escapar. Por isso ele continua encontrando Pokémons lendários. É a forma que a mente usa para mostrar a ele que ele pode fazer grandes coisas se ele tentar, e é uma forma de encorajá-lo a seguir adiante.
A Equipe Rocket são as qualidades de si mesmo que Ash acha ser negativas mas está vindo a aceitar. Jesse e James querem agradar Giovanni, o pai de Ash, e Jessie engana o submisso James em executar seus planos para conseguir isso. Meowth especialmente quer agradar a ele porque ele lembra dos bons tempos com Giovanni. Isso coloca Meowth em uma categoria conhecida como a inocência (corrompida) de Ash. Isso é aparente porque Meowth pode falar. Na verdade, a motivo de Meowth poder falar é para que Ash possa eventualmente aceitar os aspectos da Equipe Rocket como partes de si mesmo.
Ash tem problemas com seu pai, então ele o colocou na liderança da organização do mal e o satanizou. Pode até haver uma Equipe Rocket (no mundo real) mas dificilmente o pai de Ash é o líder deles. Ash provavelmente acredita que a separação entre seus pais foi parcialmente culpa sua, mas também culpa parcialmente seu pai. A separação fez sua mãe sair da cidade e ir para Pallet e é a razão inicial para Ash sair em sua jornada: escapar do caos da sua casa. Mas toda a Equipe Rocket, incluindo Butch e Cassidy, simbolizam sua incapacidade de escapar das armações de seu pai.
James é a homossexualidade implícita (o que necessariamente não torna Ash homossexual) e ingenuidade, e Jesse é a vaidade e manipulação. Como Meowth tem potencial para se curar, e não quer ser do mal, isso novamente encaixa na teoria das personalidades conflitantes e ódio próprio. A Equipe Rocket se traveste (Nota: não no sentido de serem travestis, mas sempre nos planos deles quando eles usam disfarces, James se veste de mulher, e a Jesse se veste de homem) porque Ash está explorando sua sexualidade (uma faceta diferente da que Brock representa) e isso é um método que permite seu lado gay/vaidoso experimentar livremente. Quando ele percebeu que isso (travestismo) não era algo para ele, o seu lado livre parava de experimentar com isso.
Pikachu representa a humanidade de Ash, por isso que há os episódios em que eles se separam e Ash quer desesperadamente encontrá-lo, ao ponto de trabalhar junto com a Equipe Rocket (aspectos de si que ele normalmente não se associaria).
A Equipe Rocket quer roubar o Pikachu e dá-lo a Giovanni. Jesse e James vão sempre se opor a Ash porque o mero pensar de que sua humanidade está nas mãos de seu pai assusta Ash. Porem, essa é a mesma razão que faz com que ele trabalhe com essas partes de si para evitar que sua humanidade seja perdida. Ash não conseguiu evoluir Pikachu porque isso significaria desafiar o conceito de quem ele era, o que o deixaria inconfortável enquanto ele ainda enfrenta seus problemas iniciais.
O narrador é a manas superior de Ash (Nota: um conceito da teosofia. Google explica), recapitulando e explicando o progresso que ele fez e o que ele vai encarar pela frente, permitindo a si mesmo observações sobre qual a melhor forma de o acordar.
Os métodos da Equipe Rocket gradativamente ficam mais e mais engraçados/absurdos porque Ash é apenas uma criança imaginando essas coisas. Por isso todo mundo acredita nos disfarces da Equipe Rocket. Ele sabe que são eles (pelo menos no subconsciente), mas escolhe ignorar isso para que ele possa melhorar a si mesmo. De certa forma, o Ash que quer escapar está sabotando o Ash que quer ficar perdido em sua mente para que possa haver mais conflito, e possivelmente a eventual fuga.
A fuga sendo conseqüência de finalmente aceitar quem ele é, pois, como mencionado anteriormente, a Equipe Rocket é a forma de Ash lidar com aspectos que ele se sente desconfortável de lidar sozinho.
Você pode lembrar que no início da série existiam animais e referencias a animais. Por exemplo, o peixe no aquário do ginásio de Cerulean, ou que a Pokedex descreve Pikachu como similar a um rato. Esses animais não importam para a psique de Ash e portanto não vem muito a tona. Se Ash adorasse cachorros, tudo seria sobre diferentes raças de cães, e torneios de luta entre cães, mas enquanto a serie prossegue, você vê menos animais e mais Pokémons. Isso pode ser um sinal de que a mente de Ash está se deteriorando.
Como ele está em coma, ele está esquecendo de alguns animais e máquinas e os substituindo por Pokémons. Isso pode explicar coisas como Pokémons elétricos funcionando como geradores de energia; esses são sinais de que a sua memória do mundo real está escapando cada vez mais conforme o tempo passa. O reino dos Pokémons será idealizado continuamente já que ele não tem estímulos do mundo real.
A mente de Ash pode ou não estar deteriorando, mas ele está ficando cada vez mais acostumado as regras do seu mundo de mentira. Os Pokémons são as racionalizações para o funcionamento de sua fantasia. É a síndrome foi um mago quem fez. Se ele não sabe como que algo funciona, sua mente diz Pokémon.
Bom amigos, esta é a primeira parte. Em breve posto a segunda… mas deixem seus comentários e compartilhe sua opnião sobre o assunto. Mesmo que seja um “DIGIMON EU LI ESSA PARADA CHAMPS”.
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A (sensual) história da Barbie


Glamur, polêmicas familiares, dinheiro envolvem o mundo cor-de-rosa da verdadeira bonequinha de luxo

1. Filhinha da mamãe

Barbie é o apelido de Barbara Millicent Roberts, filha da criadora da boneca. Os irmãos de Barbara também são famosos: Ken virou o namorado (sim, na vida real Ken e Barbie são irmãos) e Skipper é irmã de Barbie também no mundo dos brinquedos. O verdadeiro Ken era homossexual, apesar de ter constituído família com uma mulher. Ele morreu de aids em 1994.


2. Brinquedo de adulto

O design da Barbie foi inspirado em uma personagem de quadrinhos pornô alemã, chamada Bild Lilli, e isso ninguém esconde. Mas os detalhes não são oficiais: de acordo com o jornalista americano Jerry Oppenheimer, o designer que fez a boneca era viciado em sexo e criou as medidas dela de acordo com gostos pessoais.


3. Que (falta de) saúde!

Se a Barbie fosse uma mulher de 1,68 metro, ela teria 50 centímetros de cintura, 69 de busto e 73 de quadril. Uma mulher tão magra deixaria de menstruar normalmente, segundo uma pesquisa daUniversidade de Helsinque. Ainda assim, a britânica Sarah Burge achou boa ideia gastar 500 mil libras em cirurgias plásticas para ficar igual à boneca. Por ano, ela paga cerca de 22 mil para manter tudo no lugar.


4. Perua

Mais de 70 estilistas de alta-costura já criaram roupas para ela, incluindo Gucci, Versace e Armani. Para a confecção das roupas já foram usados mais de 95 milhões de metros de tecido. E os altos números estão também nos acessórios: a Barbie já teve mais de 1 bilhão de pares de sapatos e joias de diamantes avaliadas em US$ 600 mil, do joalheiro australiano Stefano Canturi.


5. Bonequinha de luxo

Foi depois de criar a Barbie, em 1959, que a Mattel entrou no ranking das 500 maiores empresas dos EUA. Demorou 3 anos para que eles conseguissem atender à demanda dos consumidores, de tanta procura pela boneca. Hoje, são vendidas 172 800 Barbies por dia no mundo, ou seja, 2 por segundo.
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Uma linda historia...


Um casal de namorados, decendo uma estrada de moto.
A menina repara que seu namorado está correndo muito, ela diz:
- Amor, você está correndo muito, vai mais devagar...
Ele responde:
- Ok, mais primeiro diz que me ama...
- Mais você sabe que eu te amo.
Ele perciste:
- Diz que me ama.
- Está bem, eu te amo!
Alguns segundos depois ela percebe que ele não diminuiu a velocidade.
- Amor, pára de correr.
- Então me abraça.
Ela o abraçou.
- Mais você ainda está correndo.
Ele pede:
- Então tá. Mais tira meu capacete ele está machucando meu pescoço...
Ela tirou o capacete e colocou em sua cabeça.
No outro dia, no jornal, veio a notícia:
"Casal de namorados sofre acidente decendo uma estrada de mot. Motivo: Perda do freio. Somente a menina sobrevive, pois o menino estava sem capacete."

Moral da História:
"Ele já sabia que tinha perdido o freio, queria sentir seu útimo "Eu te amo", seu ultimo calor, e salvou a vida de sua amada!"
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segunda-feira, 13 de maio de 2013

COMO EU PROMETI MEU ISTAGRAM :

LUIZAPALHETA (EO MESM DO FACE)(SOQUE NAUN DEU PARA COLOCAR)
(NAUN SEI PQ)


 
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Chegamos aos 100 !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!


Chegamos aos 100!!

Sim nos chegamos aos 100!!! (mas 100 oque ?) 100 visualizações e eu estou muito feliz esse blog raramente cria postagens novas mas isso ta fazendo sucesso  e por isso quero agradecer mais de 99 seguidores  e isso e especial por acaso nas férias fou me estabelece a esse blog ...

Mas se vc quiser me conhecer melhor e mora em belen eu nas férias vou participar de aca(acampamento) o nome e aca icea boa sorte para achar , mais se vc naun mora em Belém visite meu :

Istagran

Face: luizapalheta

Ps : o istagram esta em outra postagem
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segunda-feira, 29 de abril de 2013

Tema de hoje a historia da musica

História da Música







Quando ouvimos uma música executada por uma orquestra, o termo

música clássica é empregado em dois sentidos diferentes. As pessoas às vezes, usam a expressão ‘música clássica’ considerando toda a música dividida em duas grandes partes: ‘clássica’ e ‘popular’.

Para o estudioso ou musicólogo, entretanto, ‘Música Clássica’ tem sentido especial e preciso: é a música composta entre 1750 e 1810, que inclui a música de Haydn, Mozart, Beethoven e outros. As composições de outros autores, não podem ser consideradas clássicas. Ouvir Bach ou Vivaldi significa dizer que estamos ouvindo música barroca, se referirmos a Chopin, Verdi ou Wagner estaremos ouvindo música do período romântico. Se quisermos generalizar, pudemos dizer que gostamos de música Erudita. Estudemos um pouco mais...
Não falaremos da música dita popular com as suas várias definições, pois essas podem levar o sujeito a estados de muita alegria ou mesmo de grande depressão. Aquelas que falam do amor entre homem e mulher podem ilustrar o que estamos querendo dizer. Podem causar entusiasmo de alegrias ou levar o sujeito a cometer erros em nome desse amor; pode elevar o sentimento como, pode também rebaixá-lo a ponto de deixá-lo na sarjeta.

A música Erudita em todos os seus períodos tende a levar o sujeito ao equilíbrio, pois, uma onda sonora causa mudanças na pressão do ar na medida em que se move através dele. Desta forma, quando os temas musicais fluentes, diminuem a velocidade da pulsação do coração e da respiração, você mergulha em um mundo de harmonia que lhe transmite paz, tranquilidade e relaxamento.


C
omposições cheias de tranquilidade evocam as imagens que vão até as fronteiras de sua percepção, comovendo você profundamente. Por isso, quando você ouve um “canto Gregoriano” ou uma música mais tranquila (harmônica), você tende a se acalmar e a entrar num estado de relaxamento e reflexão. Por isso, muitas pessoas ao ouvirem música dessa natureza sentem sonolência devido ao relaxamento dos músculos provocado pelo ar rarefeito.

Há alguns anos atrás, vimos no programa Fantástico da TV Globo uma pesquisa feita por cientistas nos Estados Unidos, onde eles colocaram dentro de quartos separados, plantas com flores que tinham sido germinadas, crescidas e dado flores ao mesmo tempo. Em um ambiente, as plantas ouviam músicas barrocas e no outro, as plantas ouviam música do tipo rock metal. Após vinte e quanto horas e com o acompanhamento de quadros feitos pela câmera, pudemos observar, na medida em que o tempo passava que as que ouviam rock foram murchando e as outras ficaram mais viscosas como se estivessem mais alegres.

Divaguemos um pouco mais sobre a música erudita para melhor compreensão:

Entre os vestígios remanescentes das grandes civilizações da antiguidade, foram encontrados testemunhos escritos em registros pictóricos e escultóricos de instrumentos musicais e de danças acompanhadas por música. A cultura sumeriana, que floresceu na bacia mesopotâmica vários milênios antes da era cristã, incluía hinos e cantos salmodiados em seus ritos litúrgicos, cuja influência é perceptível nas sociedades babilônica, caldéia e judaica que se assentaram posteriormente nas áreas geográficas circundantes. O antigo Egito, cuja origem agrícola se evidenciava em solenes cerimônias religiosas que incorporavam o uso de harpas e diversas classes de flautas, alcançou também alto grau de expressividade musical.

Na Ásia onde a influência de filosofias e correntes religiosas como o budismo, o xintoísmo, o islamismo etc. foi determinante em todos os aspectos da cultura; os principais focos de propagação musical foram as civilizações chinesa, do terceiro milênio antes da era cristã e indiana.

O ocidente europeu possuía uma tradição pré-histórica própria. É bem conhecido o papel preponderante assumido pelos druidas, sacerdotes, bardos e poetas, na organização das sociedades celtas pré-romanas.

A tradição musical da Anatólia, porém, penetrou na Europa através da cultura grega, cuja elaborada teoria musical constituiu o ponto de partida da identidade da música ocidental, bastante diversa da do Extremo Oriente.

A música americana pré-colombiana possui acentuado parentesco com a chinesa e a japonesa em suas formas e escalas, o que se explica pelas migrações de tribos asiáticas e esquimós através do estreito de Bering, em tempos remotos. Finalmente, a cultura musical africana não árabe peculiariza-se por complexos padrões rítmicos, embora não apresente desenvolvimento equivalente na melodia e na harmonia.
Ao redor de 500 anos D.C. a civilização ocidental começou a emergir do período conhecido como A Idade Escura. Durante os próximos 10 séculos, a Igreja católica recentemente emergida dominaria a Europa, enquanto administrando justiça, instigando "as Cruzadas Santas" contra o leste, estabelecendo Universidades, e geralmente ditando o destino da música, arte e literatura.

Dessa forma classificou a música conhecida como canto gregoriano que era a música aprovada pela Igreja. Muito posterior, a Universidade de Notre em Paris viu a criação de um tipo novo de música chamada organum. Foi cantada a música secular por toda parte na Europa pelos trovadores e trouvères de França. E foi durante a Idade Media que a cultura ocidental viu a chegada do primeiro grande nome em música, o de Guillaume Machaut.

Diante do exposto, podemos dividir a história da música em períodos distintos, cada qual identificado por um estilo. É claro que um estilo musical não se faz da noite para o dia. É um processo lento e gradual, sempre com os estilos sobrepondo-se uns aos outros. Mas, para efeito de classificação, costuma-se dividir a História da Música do Ocidente em seis grandes períodos:






Música Medieval

Durante muito tempo, a música foi cultivada por transmissão oral, até que se inventou um sistema de escrita. Por volta do século IX apareceu, pela primeira vez, a pauta musical. O monge italiano Guido d’Arezzo (995 - 1050) sugeriu o uso de uma pauta de quatro linhas. O sistema é usado até hoje no canto gregoriano.

A utilização do sistema silábico de dar nome às notas deve-se também ao monge Guido d'Arezzo e encontra-se numa melodia profana, hino que os meninos cantores entoavam ao padroeiro dos músicos São João Batista, para que os protegesse da rouquidão, cada linha da qual começava com uma nota mais aguda que a anterior. Associou à melodia a um texto sagrado em Latim, cuja primeira sílaba de cada linha podia dar o nome de cada nota da escala musical.

Ut queant laxit
Ressonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solvi polluti
Labii reatum
Sancte Ioannes

Cuja tradução é: Para que nós, servos, com nitidez e língua desimpedida, o milagre e a força dos teus feitos elogiemos, tira-nos a grave culpa da língua manchada São João.


Durante o século XIX, o sistema de Guido foi adaptado para transformar-se no sol - fá tônico dos nossos dias, e usado para ensinar não músico a cantar música coral. Foi nessa época que alguns tons foram reformulados de modo a facilitar o canto. Ut tornou-se DÓ e SA tornou-se SI (iniciais de Sancte Ioannes)
O tipo de música mais antigo que conhecemos consiste em uma única linha melódica cantada, sem qualquer acompanhamento. Este estilo é o chamado Cantochão ou Canto Gregoriano. Com o passar do tempo acrescentou-se outras vozes ao cantochão, criando-se as primeiras composições em estilo coral.

Além do Cantochão, cantado nas igrejas, produziam-se na Idade Média muitas danças e canções. Durante os séculos XII e XIII houve intensa produção de obras em forma de canção, composta pelos trovadores, poetas e músicos do sul da França e Itália.

As danças eram muito populares em festas e feiras e podiam ser tocadas por dois instrumentos, com um grupo mais numeroso. Os instrumentos que acompanhavam estas danças incluíam: a viela (antepassado da família do violino), o alaúde, flautas doces de vários tamanhos, gaitas de foles, o trompete reto medieval, instrumentos de percussão ( triângulos, sinos, tambores).



Philippe de Vitry 1290 - 1361





Música Renascentista

O período da Renascença se caracterizou, na História da Europa Ocidental, sobretudo pelo enorme interesse ao saber e à cultura, particularmente a muitas ideias dos antigos gregos e romanos.

Foi também uma época de grandes descobertas e explorações, em que Vasco da Gama, Colombo, Cabral e outros exploradores estavam fazendo suas viagens, enquanto notáveis avanços se processavam na Ciência e Astronomia.

Os compositores passaram a ter um interesse muito mais vivo pela música profana ( música não religiosa), inclusive em escrever peças para instrumentos, já não usados somente para acompanhar vozes. No entanto, os maiores tesouros musicais renascentistas foram compostos para a igreja, num estilo descrito como polifonia coral ou policoral e cantados sem acompanhamento de instrumentos.

A música renascentista é de estilo polifônico, ou seja, possui várias melodias tocadas ou cantadas ao mesmo tempo.

Música vocal
Na Basílica de São Marcos, em Veneza, havia dois grandes órgãos e duas galerias para coro, situadas em ambos os lados do edifício. Isso deu aos compositores a ideia de compor peças para mais de um coro, chamadas policorais. Assim, uma voz vinda da esquerda é respondida pelo coro da direita e vice versa. Algumas das peças mais impressionantes são as de Giovani Gabrielli ( 1555 - 1612), que escreveu corais para dois e três grupos.

Os Motetos eram peças escritas para no mínimo quatro vozes, cantados geralmente nas igrejas. Os Madrigais eram canções populares escritas para várias vozes e que se caracterizam-se por não ter refrão. De grande sucesso nas Inglaterra do século XVI, passaram a ser cantados nos lares de todas as famílias apaixonadas por música.

Música instrumental
Até o começo do século XVI, os compositores usavam os instrumentos apenas para acompanhar o canto, contudo, durante o século XVI, os compositores passaram a ter cada vez mais interesse em escrever música somente para instrumentos.

Em muitos lares, além de flautas, alaúdes e violas, havia também um instrumento de teclado, que podia ser um pequeno órgão, virginal ou clavicórdio. A maioria dos compositores ingleses escreveu peças para o virginal. No Renascimento surgiram os primeiros álbuns de música, só para instrumentos de teclados.

Muitos instrumentos, como as charamelas, as flautas e alguns tipos de cornetos medievais e cromornes continuavam populares. Outros, como o alaúde, passaram por aperfeiçoamentos.



Cláudio Monteverdi - 1567/ 1643

Música barroca
A palavra Barroco é provavelmente de origem portuguesa, significando pérola ou joia no formato irregular. De início era usada para designar o estilo de arquitetura e da arte do século XVII, caracterizado pelo excesso de ornamentos. Mais tarde, o termo passou a ser empregado pelos músicos para indicar o período da história da música que vai do aparecimento da ópera e do oratório até a morte de J. S. Bach.

A música barroca é geralmente exuberante: ritmos enérgicos, melodias com muitos ornamentos, contrastes de timbres instrumentais e sonoridades fortes com suaves.

Música vocal


Orfeu,


do compositor Montiverdi (1567-1643) escrita no ano de 1607 é a primeira grande ópera. Ópera é uma peça teatral em que os papéis são cantados ao invés de falados. A ópera de Montiverdi possuía uma orquestra formada de 40 instrumentos variados, inclusive com violinos, que começavam a tomar lugar das violas.

Alessandro Scarlatti foi o mais popular compositor italiano de óperas. Na França os principais compositores de óperas foram Lully e Rameau .

Nascido na mesma época da ópera, o Oratório é outra importante forma de música vocal barroca. O oratório é um tipo de ópera com histórias extraídas da Bíblia. Com o passar do tempo os oratórios deixaram de ser representados e passaram a ser apenas cantados. Os mais famosos oratórios são os do compositor alemão Haendel (1685-1759), do início do século XVIII: Israel no Egito, Sansão e o famoso Messias e muitos outros.

As Cantatas são oratórios em miniaturas e eram apresentados nas missas.


Música instrumental


Durante o período barroco, a música instrumental passou a ter importância igual à da música vocal. A orquestra passou a tomar forma. No início a palavra ‘orquestra’ era usada para designar um conjunto formado ao acaso, com os instrumentos disponíveis no momento. Mas no século XVII, o aperfeiçoamento dos instrumentos de cordas, principalmente os violinos, fez com que a seção de cordas se tornasse uma unidade independente. Os violinos passaram a ser o centro da orquestra, ao qual os compositores acrescentavam outros instrumentos: flautas, fagotes, trompas, trompetes e tímpanos.

Um traço constante nas orquestras barrocas, porém, era a presença do cravo ou órgão como contínuo, fazendo o baixo e preenchendo a harmonia. Novas formas de composição foram criadas, como a fuga, a sonata, a suíte e o concerto.





Música clássica

Conforme dissemos outrora, algumas pessoas às vezes, usam a expressão ‘música clássica’ considerando toda a música dividida em duas grandes partes: ‘clássica’ e ‘popular’, entretanto, para o estudioso ou musicólogo, a ‘Música Clássica’ tem sentido especial e preciso: é a música composta entre 1751 e 1810.


Música instrumental





A Música Clássica mostra-se refinada e elegante e tende a ser mais leve, menos complicada que a Romântica e seguintes. Os compositores procuraram realçar a beleza e a graça das melodias. A Orquestra está em desenvolvimento. Os compositores deixaram de usar o cravo e acrescentaram mais instrumentos de sopro.

Durante o Período Clássico, a música instrumental passou a ter maior importância que a vocal. Nesta época criou-se a Sonata. É uma obra com vários movimentos para um ou mais instrumentos.

A Sinfonia é, na realidade, uma sonata para orquestra. Seu número de movimentos passam a ser quatro: rápido - lento - Minueto - muito rápido. Haydn, Mozart e Beethoven foram os maiores compositores de sinfonias do Classicismo.

O Concerto consiste em uma composição para um instrumento solista contra a massa orquestral. Tem três movimentos: rápido - lento - rápido.

Muitas obras foram escritas para o piano forte, em geral chamado piano para abreviar. Bartolomeu Cristfori, construtor de cravos italiano, por volta de 1700 já havia concluído a fabricação de pelo menos um destes instrumentos. Enquanto as cordas do cravo são tangidas por bicos de penas, o piano tem suas cordas percutidas por martelos, cuja dinâmica pode ser variada de acordo com a pressão dos dedos do executante. Isso daria ao piano grande poder de expressão e abriria uma série de possibilidades novas.

No começo o piano custou para se tornar popular porque os primeiros modelos eram muito precários. Mas, no final do século XVIII o cravo já havia caído em desuso, substituído pelo piano.


A serviço da alta nobreza, o músico não passava de um criado que, depois de fornecer música para fundo de jantares e conversas, ia jantar na cozinha com os demais empregados da casa. Para agradar seus patrões, precisava seguir as tradições musicais. Em sua obra respeitava e refletia as emoções da corte. A imaginação criadora não seria bem vinda se representasse a quebra das estruturas tradicionais. Haydn aceitou esse trato e cumpriu suas obrigações. Mozart não aceitou estes limites e pagou um preço alto pela obstinação em se manter fiel à seus princípios. As cortes o relegaram ao esquecimento e o deixaram morrer como um mendigo. Beethoven foi o primeiro a decidir que não devia obrigações a ninguém e exigiu ser respeitado como artista. Nascia, com Beethoven, o pensamento romântico.




Antônio Carlos Gomes

Música romântica


Os compositores clássicos tinham por objetivo atingir o equilíbrio entre a estrutura formal e a expressividade. Os românticos vieram desequilibrar tudo. Eles buscavam maior liberdade de forma, a expressão mais intensa e vigorosa das emoções, frequentemente revelando seus pensamentos mais profundos, inclusive suas dores. Muitos compositores românticos eram ávidos leitores e tinham grande interesse pelas outras artes, relacionando-se estreitamente com escritores e pintores. Não raro uma composição romântica tinha como fonte de inspiração um quadro visto ou um livro lido pelo compositor.

Dentre as muitas ideias que exerceram enorme fascínio sobre os compositores românticos temos: terras exóticas e o passado distante, os sonhos, a noite e o luar, os rios, os lagos e as florestas, as tristezas do amor, lendas e contos de fadas, mistério, a magia e o sobrenatural. As melodias tornam-se apaixonadas, semelhantes à canção. As harmonias tornam-se mais ricas, com maior emprego de dissonâncias.

Durante o Romantismo houve um rico florescimento da canção, principalmente do Lied ( ‘canção’ em alemão) para piano e canto. O primeiro grande compositor de Lieder ( plural de Lied ) foi Schubert .

As óperas mais famosas hoje em dia são as românticas. Os grandes compositores de óperas do Romantismo foram os italianos Verdi e Rossini e na Alemanha, Wagner. No Brasil, destaca-se Antônio Carlos Gomes com suas óperas O Guarani, Fosca, O Escravo, etc.

A orquestra cresceu não só em tamanho, mas também em abrangência. A seção dos metais ganhou maior importância. Na seção das madeiras adicionou-se o flautim, o clarone, o corne inglês e o contrafagote. Os instrumentos de percussão ficaram mais variados.

O Concerto romântico usava grandes orquestras; e os compositores, agora sob o desafio da habilidade técnica dos virtuoses, tornavam a parte do solo cada vez mais difíceis.

Até a metade do século XIX, toda a música fora dominada pelas influências alemãs. Foi quando compositores de outros países, principalmente os russos, passaram a ter a necessidade de criar a sua música. Inspiravam-se nas músicas folclóricas e lendas de seus países. É o chamado Nacionalismo Musical.

No século XIX o piano passou por diversos melhoramentos. Quase todos os compositores românticos escreveram para o piano, mas os mais importantes foram: Schubert, Mendelssohn, Chopin, Schumann, Liszt e Brahms. Embora em meio às obras destes compositores se encontrem sonatas, a preferência era para peças curtas e de forma mais livre.

Havia uma grande variedade, entre elas as danças como as valsas, as polonaises e as mazurcas , peças breves como o romance, a canção sem palavras, o prelúdio, o noturno, a balada e o improviso.

Outro tipo de composição foi o Étude (Estudo), cujo objetivo era o aprimoramento técnico do instrumentista. Com efeito, durante esta época houve um grande avanço nesse sentido, favorecendo a figura do Virtuoso: músico de concerto, dotado de uma extraordinária técnica. Virtuosos como o violinista Paganini e o pianista Liszt eram admirados por plateias assombradas.






Música moderna

A história da música no século XX constitui uma série de tentativas e experiências que levaram a uma série de novas tendências, técnicas e, em certos casos, também a criação de novos sons, tudo contribuindo para que seja um dos períodos mais empolgantes da história da música.

Enquanto a música nos períodos anteriores podia ser identificada por um único e mesmo estilo, comum a todos os compositores da época, no século XX ela se mostra como uma mistura complexa de muitas tendências. A maioria das tendências compartilham uma coisa em comum: uma reação contra o estilo romântico do século XIX. Tal fato fez com que certos críticos descrevessem a música do século XX com "anti-romântica". Dentre as tendências e técnicas de composição mais importantes da música do século XX encontram-se:
Impressionismo
Nacionalismo do Séc. XX
Expressionismo
Música Concreta
Serialismo
Música Eletrônica
Influências do Jazz
Neoclassicismo
Música Aleatória
Atonalidade

No entanto, se investigarmos melhor estas composições, encontraremos uma série de características ou marcas de estilo que permitem definir uma peça como sendo do século XX. Por exemplo:

Melodias:
São curtas e fragmentadas, angulosas, em lugar das longas sonoridades românticas. Em algumas peças, a melodia pode ser inexistente.

Ritmos:
Vigorosos e dinâmicos, com amplo emprego dos sincopados; métricas inusitadas, como compassos de cinco e sete tempos; mudança de métrica de um compasso para outro, uso de vários ritmos diferentes ao mesmo tempo.

Timbres:
A maior preocupação com os timbres leva a inclusão de sons estranhos, intrigantes e exóticos; fortes contrastes, às vezes até explosivos; uso mais enfático da seção de percussão; sons desconhecidos tirados de instrumentos conhecidos; sons inteiramente novos, provenientes de aparelhagens eletrônicas e fitas magnéticas.



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